Статистика ВК сообщества "Виртуальный музей живописи"

ВДОХНОВЕНИЯ ИГОРЯ ЭММАНУИЛОВИЧА ГРАБАРЯ.

Грабарь Игорь Эммануилович (1871−1960) — русский и советский художник-живописец, реставратор, искусствовед, теоретик искусства, просветитель, музейный деятель, педагог. Действительный член Императорской академии художеств. Академик АН СССР.

О нём можно сказать, что он счастливчик. И дело вовсе не в том, что ему постоянно везло. Дело в другом – он занимался тем, что любил больше всего – живописью. Он это делал всю свою жизнь, все свои почти девяносто лет жизни. Но при этом сумел избежать страшные тридцатые годы и выдержать испытания временем. Можно сказать, что он был обласкан советской властью, а можно и написать о том, что благодаря ему в реставрационных мастерских восстанавливались многие шедевры русской иконописи. Он жил своим трудом, занимался всю жизнь любимым делом. Вот это и есть счастье.

И всё же вернёмся к детству. А оно было из разряда интереснейших. Родился он в Будапеште, в русской семье, но то место где ему пришлось родиться называлось Угорской Русью. Это Карпаты и на тот момент эта территория входила в состав Австро-Венгерской империи. А дальше дела обстояли так: вся многочисленная семья была вовлечена в политическое противостояние- воевали против «мадъяризма». Но борьба никакой пользы не принесла и толком ничего такого не произошло, зато начались гонения и аресты. В итоге и мать художника и его дед оказались на скамье подсудимых, и им грозила смертная казнь. Отец перевёз всю семью в Россию, вскоре к ним присоединилась и его мать с дедом.

В России всё и началось. По воспоминаниям самого художника, он не помнит, чтобы он когда-нибудь не рисовал. Всё время краски, карандашные наброски – и всюду рисунки, этюды, зарисовки. Жили они тогда в провинциальном городке Егорьевске. Там и учился Игорь Грабарь и именно там он получил первые уроки рисования. Затем была Москва, где он учился в гимназии. Правда в этой учёбе был минус – он не был богат как его соученики и потому получал всё время приличную порцию презрения. Но его это не беспокоило так сильно, у него уже был свой мир, свой предел мечтаний. У него уже была живопись. Он учился в будни, а в выходные дни просто пропадал в Третьяковке или же на квартирах, где часто встречались талантливые молодые художники. Именно там он познакомился с Василием Поленовым и другими знаменитыми уже авторами. Именно в Москве он научился писать масляными красками и освоил технику пейзажа, натюрморта, портретной живописи. Но кроме всего прочего Грабарь увлёкся литературной деятельностью: писал критические статьи или же биографии художников или же статьи так или иначе связанные с искусством. А потом…

Потом был переезд в Санкт-Петербург. И вскоре он поступил в Академию искусств, чтобы уже окончательно утвердится как профессиональный художник. Правда уже и до поступления туда он был достаточно известен, поскольку много писал пейзажей, которые были весьма популярны среди знающей публики. Учёба в Академии не прошла даром, он впитывал как губка знания и оттачивал своё мастерство. При великих учителях, таких как Куинджи или Репин особо не забалуешь. Но при этом Грабарь продолжал писать «Историю русского искусства». После окончания Академии он продолжил активно работать, но при этом вдруг страстно увлёкся архитектурой.

Самое плодотворное в его работах – написание на полотне зимы. Он очень любил делать пейзажи с инеем. Уж как только он его не изображал: и ранним зимним утром, и в полдень и перед закатом, но при этом ни одно полотно не повторялось.

Грабарь был директором Третьяковской галереи как раз в то время когда начинались сталинские чистки в обществе и тут художник поступил крайне осмотрительно. Он покинул все посты, которые ему дала советская власть и вернулся к работе над полотнами. Да, он снова стал художником. Бюрократическая рутина не давала простору его фантазии и потому часто он рисовал мысленно, но тут он просто покинул все посты и просто снова стал простым художником. И рисовал, творил минуя все исторические перепутья советской страны.

Алексей Васин.

ДЕНЬ РОЖДЕНИЯ ХУДОЖНИКА.

РАФАЭЛЬ САНТИ ( 28 марта 1483— 6 апреля 1520) — итальянский живописец, рисовальщик и архитектор умбрийской, флорентийской, а затем римской школы. Один из ярчайших представителей искусства эпохи Высокого Возрождения, или «римского классицизма» начала XVI века. Он прожил всего тридцать семь лет и за свою недолгую жизнь стал одним из самых прославленных и богатых художников Италии. В своих произведениях Рафаэль воплотил представление о возвышенных идеалах ренессансного гуманизма, сумев соединить вечные, восходящие к античности, представления о красоте и новое христианское мироощущение. Его картина «Сикстинская Мадонна» — одна из самых узнаваемых в истории; она была вдохновительницей и любимым полотном русского писателя Фёдора Достоевского.

--"СИКСТИНСКАЯ МАДОННА". 1513.
Холст, масло. 256 х 196 см.
Музей: Дрезденская галерея

Вот уже несколько веков именно эта работа великого мастера Возрождения принята за образец и вершину старой живописной европейской школы. Безупречность и глубина работы признаны критикой, и никакие попытки усомниться в совершенстве этого полотна еще не увенчались успехом, вызывая бурю протестов и отвержение всякого критического анализа.

О феномене "общественного восхищения", который мешает воспринимать эту работу индивидуально и объективно, еще в XIX веке говорили и Толстой, и Достоевский, и многие художники. Причем, все как один соглашались с тем, что это несомненный шедевр.

Необычность этой работы мастера, для которого Богоматерь с младенцем на руках - излюбленный сюжет, в том, что написана она на холсте. В то время абсолютное большинство работ подобного толка писались на досках. Некоторые исследователи считают, что художник выбрал холст, потому что никак не мог найти доску подходящего размера.

Картина была заказом кардинала де Ровере, будущего папы Юлия II. Работа предназначалась для алтаря одного из провинциальных соборов, в котором хранились мощи святого Сикста и святой Варвары. Обе личности представлены на картине рядом с Богородицей и младенцем.

Все персонажи картины имели прототипы в жизни. Известно, что папу Сикста художник писал с кардинала-заказчика. Одна из легенд картины утверждает, что папа изображен шестипалым. Несостоятельность этого утверждения очевидна, если взглянуть на руку папы внимательнее.

Композиция картины становится понятней, если знать о том, что перед работой должно было быть размещено распятие. Тогда понятен становится жест папы, указывающий на Великую жертву Сына Богородицы в будущем, а также скорбная покорность Святой Варвары.
Необыкновенно лиричное звучание картине придает пара ангелочков в самом низу композиции. Эта милая парочка лишает картину всякого пафоса, выделяя главный и простой смысл сюжета - тревога матери о судьбе своего сына.

Сильное впечатление производит недетское лицо спасителя и его очевидное внешнее сходство с Матерью.

Зрителя сбивает с толку нарочито "земной" занавес, нанизанный на примитивный карниз. Та тщательность, с которой выписана эта неясная деталь, сбивает с толку публику, заставляет ее думать о смысле этой детали, ее назначении.

Облака фона работы, представляющие собой многочисленные ангельские лики, подчеркивают торжественность, значимость происходящего, вносят в работу ту сакральную парадность, которая есть непременная составляющая всех алтарных картин эпохи Возрождения.

СОКРОВИЩА ЭРМИТАЖА.

ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ (15 апреля 1452 — 2 мая 1519) — итальянский художник и учёный, изобретатель, писатель, музыкант, один из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения, яркий пример «универсального человека».

--"МАДОННА ЛИТТА". 1490-1491.
Холст, темпера, перенесено с дерева. 42 x 33 см.
Музей Эрмитаж, Санкт-Петербург.

Одной из главных драгоценностей Эрмитажа считается картина итальянского художника Леонардо да Винчи «Мадонна с младенцем», написанная им в 1491 году. На фоне тёмной стены, прорезанной двумя окнами, изображена молодая женщина, держащая на коленях младенца, которого она кормит грудью. На их нежные смугловатые лица падает тёплый, едва уловимый, свет, благодаря которому фигуры матери и ребёнка кажутся почти светящимися. Женщина, опустив глаза, бережно держит своё дитя, поддерживая его под спину, а мальчик, нежно примкнувший к ней, правой рукой обхватывает материнскую грудь, а в левой держит щегла. Его взгляд чуть рассеян и словно обращён сквозь зрителя.

Одной из самых символичных деталей картины является изображение щеглёнка, который затаился в складках женского платья. Известно, что Леонардо часто заглядывал на базар, покупал и выпускал из клеток пернатых. Живописец считал, что человеческая душа сродни птице с её свободным полётом и страданиями, которые она испытывает, находясь в неволе. Фигурка маленького щегла, изображённая на картине, будто является намёком на то, что одновременно со вскармливанием младенца материнским молоком происходит другое таинство — духовное. Птица символизирует христианскую душу, и Леонардо неспроста выбрал для своей картины красноголового щегла. Существует легенда, что щегол приобрёл своё красное пятнышко в тот момент, когда слетел к Христу и сел ему на голову, когда того вели на Голгофу: щегол извлёк терновую колючку из брови Спасителя, на него капнула капля крови… Кстати, да Винчи не единственный художник, использовавший изображение щегла в своих работах. Например, у Рафаяля Санти есть картина «Мадонна со щеглёнком», которая в настоящее время хранится во дворце во Флоренции.

До 1865 года полотно да Винчи находилось в частной коллекции герцога Литта — дальнего родственника Потёмкина. Именно по его фамилии картина и получила своё второе название, а до того момента холст назывался «Мадонна с младенцем». Герцог продал Эрмитажу полотно в ужасном состоянии: требовалась срочная реставрация. Именно поэтому «Мадонну» перенесли с дерева на холст и таким образом спасли ее для нас и будущих поколений.

ЗАМЕЧАТЕЛЬНО ДОБРЫЕ КАРТИНЫ ВЕНГЕРСКОГО ХУДОЖНИКА ВИДА ГАБОРА.

В 1937 году родился Вида ГАБОР в Будапеште, известный венгерский живописец, признанный мастер жанровых композиций.
Большинство картин художника вдохновлены его интересом к миру и культуре Старой Европы. Он завлекает зрителя в свой мир, где действительность неразрывно связана с фантазией. Излюбленным мотивом Виды Габор являются ночные или вечерние сцены.

Его мать была оперной певицей, а отец – архитектором. В 10-летнем возрасте родители заметили, что сын точно на слух воспроизводит классическую музыку на флейте. Его стали считать вундеркиндом: он был принят в Музыкальную академию Ференца Листа, а параллельно с 1950 года начал еще и рисовать.
В 1956 году Вида Габор стал флейтистом филармонического оркестра Будапештской оперы, он дал много концертов в качестве солиста во многих европейских странах. Одновременно продолжал увлекаться живописью.
В 1961 году Вида Габор оставил свою профессию флейтиста, которой посветил 16 лет жизни. В 1974 году он снял анимационный фильм «Мальчик с пальчик» для студии «Mafilm». Так же Габор занимался скульптурой, ювелирным делом и реставрацией антикварных часов.
Хотя он занимался рисованием и ваянием на протяжении всей своей жизни, но полностью посвятил себя живописи, начиная с 1977 года. Художник тщательно подготавливал свои полотна и разработал свой собственный уникальный стиль, рисовал без видимого следа от кисти.
Излюбленным мотивом художника становятся жанровые сцены, происходившие в Европе в XVIII-XIX веках. Главные герои художественных композиций – старички и старушки, занимающиеся любимым делом или отдыхающие. Картины Вида Габор наполнены душевностью и тонким юмором. Большинство из них изображают ночные сцены, а источники света, т.е. лампы или свечи, придают полотнам таинственности.
На сегодняшний день работы мастера вызывают повышенный интерес у коллекционеров Европы и Америки. Произведения художника находятся в «Галерее Амстердама» в Кармеле (Калифорния, США) и в частных коллекциях.
Скончался Вида ГАБОР в декабре 1999 года.

АРХИП КУИНДЖИ, ХУДОЖНИК СВЕТА.

В 1841 (по другой версии в 1842) году родился Архип Иванович КУИНДЖИ (в Мариуполе), один из самых загадочных русских художников, мастер пейзажной живописи.

«Иллюзия света была его богом, и не было художника, равного ему в достижении этого чуда живописи» – Илья Ефимович Репин.

КУИНДЖИ рисовать начал рано и освоил живопись в основном самостоятельно. В 1855 году пешком ушёл в Феодосию, чтобы учиться у Айвазовского. В конце 1860-х годов Куинджи приехал в Петербург.
Первые работы художник представил на выставке Академии художеств в 1868 году и вскоре прочно зарекомендовал себя как мастер пейзажа: «Осенняя распутица», «Забытая деревня», «Чумацкий тракт в Мариуполе» и др.
Каждая новая работа Куинджи становится открытием. За картину «Снег» Куинджи получает бронзовую медаль выставки в Лондоне.
Картина «Украинская ночь» ошеломила публику и определила особый путь автора в искусстве, начав свою «погоню за светом». Куинджи стремился достичь полной иллюзии естественного освещения, что в наивысшей степени проявилось в картине «Ночь на Днепре» со сверкающей лунной дорожкой, прорезающей бархатную тьму.
Живописец по-новому раскрыл возможности пейзажа, преображая, очищая и возвышая реальность. Он добивался необычайной яркости и интенсивности красок, новых цветовых решений. Характерны для него многочисленные «солнечные» картины и эскизы (в их числе «Берёзовая роща»).
Напряжённый контраст насыщенных тонов, световые эффекты – всё это было необычным явлением для живописи XIX века. Непонимание коллег вынудило Куинджи в момент наивысшего успеха отказаться от участия в выставках. В последний раз он экспонировал свои работы в 1882 году.
Художник жил отшельником в Крыму, где создал серию больших полотен и сотни этюдов, продолжая экспериментировать с красками и цветом. Среди поздних произведений – единственная у него сюжетная картина «Христос в Гефсиманском саду» и дышащее необычайной гармонией «Ночное».
В 1909 году Куинджи основал Общество художников (получившее затем его имя), оказывавшее поддержку людям искусства и которому завещал всё своё состояние и произведения.
Скончался Архип Иванович Куинджи 24 июля 1910 года в Санкт-Петербурге, похоронен на Смоленском православном кладбище. В 1952 году прах и бюст были перенесены на Тихвинское кладбище Александро-Невской лавры, а полуразрушенное надгробие осталось на прежнем месте.

ВЕЛИКОЛЕПНЫЕ ЗИМНИЕ КАРТИНЫ ЮРИЯ МАРТЮШЕВА.

Мартюшев Юрий Вячеславович родился в 1964 году. Окончил живописно-художественное отделение Екатеринбургского художественного училища. Работает в технике станковой живописи и графики в стилях реализма. В настоящее время живет в Екатеринбурге.

Темы его картин – пейзажи уральской природы, сделанные с натуры, в стиле русской классической школы. Художник тщательно прорабатывает тончайшие детали пейзажа, создавая в своих картинах эффект присутствия. Кажется, что Вы находитесь внутри полотна, а не просто стоите перед картиной.

Картины Юрия Мартюшева снимают со зрителя напряжение городской жизни, передают зрителю состояние естественного душевного равновесия, переносят его на природу.

Картины художника находятся в частных коллекциях во Франции, Италии, Германии, США, Объединенных Арабских Эмиратов.

ДЕНЬ РОЖДЕНИЯ ХУДОЖНИКА.

КРАМСКОЙ ИВАН НИКОЛАЕВИЧ (8 июня 1837— 5 апреля 1887) — русский живописец и рисовальщик, мастер жанровой, исторической и портретной живописи; художественный критик.

Известен нам сегодня как талантливый портретист и исторический живописец. Его родным городом является Острогожск Воронежской губернии. Именно там, в семье мелкого чиновника и родился маленький Ваня. Живописью он увлекался с самого детства. При каждой возможности он брал в руки перо или карандаш и старался зарисовывать все то, что видел вокруг себя. Очень любил читать.

В 1850-м году, после окончания уездного училища, 13-летний Ваня уже начал свой трудовой путь. Работал он и поначалу писцом, а после и ретушером у знакомого фотографа, вместе с которым они объездили практически всю Россию. В 1857 году они прибыли в Петербург, где будущий художник и принял решение остаться, нанявшись на работу в фотоателье А. И. Деньера. В том же году Иван Крамской и реализовал свою мечту – поступил на обучение в Академию художеств.

Еще во времена учебы художник постарался объединить вокруг себя всю активную академическую молодёжь. А закончив обучение, вместе с другими выпускниками Академии, создал Петербургскую артель. Говорят, что атмосфера дружелюбия и взаимопонимания, царившая там, является полностью его заслугой.

К тому времени, Иван Крамской окончательно нашел свое призвание в качестве художника-портретиста. Любимой его техникой на тот момент являлась графическая. Именно ее мы можем наблюдать сегодня в портретах И.И. Шишкина, И. Морозова, Г. Г. Мясоедова, Н.А. Кошелева и не только.

На протяжении некоторого времени Крамской преподавал в Школе Художеств при Обществе поощрения художников. Когда Петербургская артель медленно начала распадаться, он выступил организатором объединения художественных передвижных выставок.

70-80 годы XIX века стали для Ивана Крамского тем периодом, когда были написаны одни из известнейших его работ ("Полесовщик", "Мина Моисеев", "Крестьянин с уздечкой" ). Все чаще объединял художник в своих работах портретную и бытовую тематики ("Незнакомка", "Неутешное горе").

На протяжении всего своего творческого пути нередко художнику приходилось брать и заказы церковного характера, которые являлись для него одним из основных источников заработка.

Таким образом, можно без преувеличения сказать, что Иван Крамской был выдающейся фигурой в культурной жизни России 60-80 гг. позапрошлого века. Талантливый художник, тонкий критик, основатель Петербургской артели, он стал идейным вдохновителем целого поколения, задавшим новый вектор развитию такой ветви искусства в России, как портретный реализм.

ДОБРЫЕ, ЭМОЦИОНАЛЬНО ТРОГАТЕЛЬНЫЕ КАРТИНЫ О ДЕТСТВЕ.
ХУДОЖНИК ВЛАДИСЛАВ ЛЕОНОВИЧ.

«Одна из самых больших удач в жизни человека – счастливое детство» Агата Кристи

Владислав Леонович родился в Минске, в 1962 году. Картины Владислава смело можно назвать душевными, ведь созданные им образы переносят зрителя в чудесный мир воспоминаний о далеком прекрасном детстве, где знакома каждая деталь и сюжет.
Художник пишет в технике пастели и масляной живописи, поэтому каждая из его работ выглядит мягко и ненавязчиво, ибо не перегружена по цветовой гамме. И совсем неудивительно, что это позитивное и яркое в эмоциональном плане творчество, вызывает бурю самых положительных эмоций…

"КАК Я ЛЮБЛЮ ВАС, ЛУГОВЫЕ ТРАВЫ..." ХУДОЖНИК АЛЕКСЕЙ АНИКИН.

Алексей Аникин родился в 1968 году в городе Дзержинске Нижегородской области. Первые уроки живописи получил в местной художественной школе. В 1987 году окончил Суздальское художественно-реставрационное училище. С 1991 года принимает участие в выставках в Москве, Нижнем Новгороде, Дзержинске. Работы художника находятся в частных коллекциях России, Англии, Канады, Италии.
Работает в традициях русской пейзажной живописи, черпая вдохновение в привычных нам ландшафтах средней полосы России.

ДЕНЬ РОЖДЕНИЯ ХУДОЖНИКА.

ШИШКИН ИВАН ИВАНОВИЧ (25 января 1832 — 20 марта 1898) — русский художник-пейзажист, живописец, рисовальщик и гравёр-аквафортист. Академик, профессор, руководитель пейзажной мастерской Императорской Академии художеств.

Иван Шишкин родился в Елабуге (Вятская губерния, ныне - Татарстан)

Его отцом был купец второй гильдии - Иван Васильевич Шишкин.
Даже в детстве Шишкин был личностью незаурядной. Его честность всегда была неподкупной, благодаря чему он относительно молодым стал городским головой в Елабуге и пробыл на этой должности целых 8 лет. Он немало потрудился на благо родного города: до сих пор частично действует построенный им водопровод.
Однако купечество оказалось слишком тесным для Шишкина обществом. Он увлекался механикой, историей, археологией, естественными науками. Сочинил собственное жизнеописание, выпустил "Историю города Елабуги", активно участвовал в раскопках.

Отец довольно быстро заметил увлечение сына искусством и отправил его учиться в Московское училище живописи и ваяния. Наставником молодого художника стал А.Мокрицкий - очень чуткий и внимательный педагог. Он и помог Шишкину найти себя в искусстве.

В 1856 году юноша поступает в петербургскую Академию художеств к С.Воробьеву. Однако, с предыдущим учителем он не перестает общаться.

В Академии молодой художник буквально расцвел. Его успехи активно отмечали медалями и наградами. Он даже получил право на заграничную стажировку, однако, отказался от нее и уехал в 1861 году в родную Елабугу, где неустанно работал.

За границей все же Шишкин жил - в Швейцарии и Германии. Также посетил и другие европейские страны. Он подружился со многими представителями мирового искусства. О "богатыре" Шишкине писал и Репин в своих записках. Кстати, этот богатырский глас прозвучал от Шишкина-бунтаря. В 1870 году, благодаря Шишкину, появилось Товарищество передвижных художественных выставок, которое ознаменовало начало новой художественной эпохи.

Трагически складывалась личная жизнь Шишкина. Обе его супруги умерли довольно рано. За ними - и оба его сына. Смерти на этом не прекратились - вслед за дорогими сердцу людьми скончался, пожалуй, самый близкий человек - отец. Шишкин с головой погрузился в работу, которая осталась единственной его отрадой.

За работой Шишкин и умер. Это произошло 20 марта в 1898 года.
Умер художник внезапно. Утром писал в мастерской, затем навестил родных и снова вернулся в мастерскую. В какой-то момент мастер просто упал со стула. Это сразу же заметил помощник, но, подбежав, увидел, что он уже не дышит.