Борис Кустодиев «Христосование» , 1916 год
На этой картине мы видим накрытый к Пасхе стол. Здесь и куличи, и крашеные яйца, и творожные пасхи, и икра, и жареное мясо. Главные герои здесь — купеческая семейная пара, которая поздравляет друг друга со светлым пасхальным днём.
Кустодиев изобразил на картине старинный пасхальный обряд — христосование. Он имеет древнюю историю, ещё со времён апостолов. Суть традиции заключается в приветствии в знак воскресения Иисуса словами «Христос Воскрес!», а в ответ надо говорить: «Во истину воскрес!» Затем трижды целуются в щёку.
Именно эту сцену и видим на полотне Кустодиева, который изобразил Пасху во всей красе. Заметим, что работа создана в 1916 году, когда в стране уже была смута, а революция стучалась во все двери. Однако художник решил показать этот праздник светлым, ярким и насыщенным. Даже шаль на купчихе по-весеннему красочная и нарядная.
В те годы люди очень ценили пасхальные традиции. Историк Л.Н. Блинова так описывала празднование Пасхи в дореволюционной России:
«С утра все шли на службу, после чего весь народ выходил на улицу христосоваться – и цари, и городовые, и служащие, и простой люд. Для христосования заранее готовили яйца. Например, во времена правления царя Алексея Михайловича для раздачи народу на Пасху было приготовлено до 37 тысяч яиц.
Яйца были как натуральные – куриные, лебединые, гусиные, голубиные, утиные, так и искусственные – из дерева, кости, чугуна, бисера, стекла, камня, в том числе из драгоценных и полудрагоценных камней, а также драгоценных металлов, в зависимости от статуса того, кому яйцо предназначалось. Их украшала резьба или роспись на евангельские темы, изображения храмов и монастырей».
Картины Кустодиева словно погружают нас в сказку, позволяя хоть немного коснуться обычаев и традиций того времени. Они вселяют оптимизм и дают современным вечно занятым людям остановиться и подумать о смысле своей жизни.
#живопись #искусство #культура #картины #картинысисторией #история #пасха #пасхальныйстол #кустодиев #борискустодиев #картиныкустодиева
Понравился сайт?Поделись с друзьями!
Статистика ВК сообщества "Картины с историей"
Здесь рассказывают о картинах
276 697
8523-ое место по числу подписчиков
2.20%
3.97%
сегодня 110 (0.04%)
за неделю 800 (0.29%)
за месяц 4 042 (1.48%)
Графики роста подписчиков
Лучшие посты
Аркадий Пластов «Весна», 1954 год
На этой картине художник изобразил молодую женщину, одевающую свою дочь в открытом предбаннике «курной» деревенской бани. Рыжеволосая обнажённая героиня является олицетворением только-только наступившей весны, которая пробуждает ото сна природу и даёт начало новой жизни.
Весна была любимым временем года Аркадия Пластова. Живя в столице, каждую весну он приезжал в родную деревню Прислониха Ульяновской области, сам открывал в доме все окна и вытаскивал зимние рамы. В Прислонихе художник написал и картину «Весна», которую начал ещё в 1945 году, а закончил только в 1954. Известно, что в работе над полотном мастеру помогал сын Николай Аркадьевич.
На картине изображена собственная баня художника, расположенная около речки Урень. Натурщицей для маленькой героини была местная жительница Нина Шарымова. За это мастер подарил ей отрез нарядного шёлка на платье.
Образ взрослой женщины Пластов писал со своей супруги, что стало известно из его письма к ней: «4 дня назад сделал акварелью эскиз той картины, для которой уже целый год собираюсь делать с тебя этюды, — это нагая женщина одевает в предбаннике ребёнка, летом это будет сделать необходимо».
Из-за обнажённой натуры картина «Весна» на первой выставке вызвала много вопросов и негативных комментариев. Некоторые критики отмечали, что полотно якобы «жизненно не оправдано» и вызвано желанием автора передать чисто живописный эффект обнажённого тела на тёмном фоне.
Также неодобрительно была воспринята нищета героев картины — баня топится по-чёрному, нет электричества и даже минимальных удобств. Из-за всей этой критики картина «Весна» какое-то время не экспонировалась и не печаталась, получив заслуженную популярность гораздо позже своего появления.
На этой картине художник изобразил молодую женщину, одевающую свою дочь в открытом предбаннике «курной» деревенской бани. Рыжеволосая обнажённая героиня является олицетворением только-только наступившей весны, которая пробуждает ото сна природу и даёт начало новой жизни.
Весна была любимым временем года Аркадия Пластова. Живя в столице, каждую весну он приезжал в родную деревню Прислониха Ульяновской области, сам открывал в доме все окна и вытаскивал зимние рамы. В Прислонихе художник написал и картину «Весна», которую начал ещё в 1945 году, а закончил только в 1954. Известно, что в работе над полотном мастеру помогал сын Николай Аркадьевич.
На картине изображена собственная баня художника, расположенная около речки Урень. Натурщицей для маленькой героини была местная жительница Нина Шарымова. За это мастер подарил ей отрез нарядного шёлка на платье.
Образ взрослой женщины Пластов писал со своей супруги, что стало известно из его письма к ней: «4 дня назад сделал акварелью эскиз той картины, для которой уже целый год собираюсь делать с тебя этюды, — это нагая женщина одевает в предбаннике ребёнка, летом это будет сделать необходимо».
Из-за обнажённой натуры картина «Весна» на первой выставке вызвала много вопросов и негативных комментариев. Некоторые критики отмечали, что полотно якобы «жизненно не оправдано» и вызвано желанием автора передать чисто живописный эффект обнажённого тела на тёмном фоне.
Также неодобрительно была воспринята нищета героев картины — баня топится по-чёрному, нет электричества и даже минимальных удобств. Из-за всей этой критики картина «Весна» какое-то время не экспонировалась и не печаталась, получив заслуженную популярность гораздо позже своего появления.
Борис Кустодиев «Троицын день», 1920 год
На этой залитой солнечным светом картине мы видим купеческое семейство, которое вышло прогуляться по городу на Троицын день. Купчиха выбрала для променада светло-голубое атласное платье и цветастую шаль. Дочку свою она одела в похожее, но более светлое платье, подвязанное ярко-алой лентой.
За женщинами идут мужчины — купец с густой рыжей бородой и модный городской франт, который, скорее всего, является женихом молодой купчихи.
Кругом идёт бойкая торговля. Продавцы наперебой предлагают гуляющим приобрести цветы, выпечку, сладости и многое другое. Картина Кустодиева полна радости, тепла, света и достатка. Она такая яркая и сочная, что зрителю невольно хочется попасть туда и присоединиться к прогулке.
Кустодиев использовал насыщенные краски и позитивные оттенки, чтобы передать ощущение тёплого, мягкого и гармоничного летнего дня. Однако в жизни самого художника всё было далеко не так празднично.
Шёл 1920 год — страшные, голодные и разрушительные для России дни. Это был тяжёлый послереволюционный период, когда художник жил очень бедно, сильно нуждался, да ещё и к тому же был тяжело болен.
С 1909 года у мастера начались проявления опухоли спинного мозга. Вскоре он оказался прикованным к постели и мог сидеть лишь по несколько часов в день в инвалидном кресле. Всё это время художник продолжал писать картины, хотя работа приносила ему сильные муки. Но именно с этого периода жизни Кустодиева стали появляться наиболее яркие и позитивные его произведения.
Живописец изображал на своих полотнах ярмарки, масленицы, чаепития, праздничные гуляния и дородных пышнотелых купчих, хотя за его окном в это время была смута, война, разруха, голод, холод, грязь и невыносимая нужда.
«Много я знал в жизни интересных, талантливых и хороших людей, но если я когда-нибудь видел в человеке действительно высокий дух, так это в Кустодиеве… » — писал Фёдор Шаляпин.
Коллеги восторгались мужеством, упорством и позитивным настроем этого художника, всегда давая его произведениям высокую оценку.
В картинах Кустодиева особенно раскрывается широкая русская душа. Силён дух народа, его радость и тяга к жизни, к жизни через край, к жизни взахлёб, к жизни на всю полную мощь.
К сожалению, Борис Кустодиев прожил короткую жизнь, однако он оставил после себя глубокое культурное наследие, которое может показать нам настоящую самобытную патриархальную Русь с её купчихами, ярмарками и чаепитиями.
На этой залитой солнечным светом картине мы видим купеческое семейство, которое вышло прогуляться по городу на Троицын день. Купчиха выбрала для променада светло-голубое атласное платье и цветастую шаль. Дочку свою она одела в похожее, но более светлое платье, подвязанное ярко-алой лентой.
За женщинами идут мужчины — купец с густой рыжей бородой и модный городской франт, который, скорее всего, является женихом молодой купчихи.
Кругом идёт бойкая торговля. Продавцы наперебой предлагают гуляющим приобрести цветы, выпечку, сладости и многое другое. Картина Кустодиева полна радости, тепла, света и достатка. Она такая яркая и сочная, что зрителю невольно хочется попасть туда и присоединиться к прогулке.
Кустодиев использовал насыщенные краски и позитивные оттенки, чтобы передать ощущение тёплого, мягкого и гармоничного летнего дня. Однако в жизни самого художника всё было далеко не так празднично.
Шёл 1920 год — страшные, голодные и разрушительные для России дни. Это был тяжёлый послереволюционный период, когда художник жил очень бедно, сильно нуждался, да ещё и к тому же был тяжело болен.
С 1909 года у мастера начались проявления опухоли спинного мозга. Вскоре он оказался прикованным к постели и мог сидеть лишь по несколько часов в день в инвалидном кресле. Всё это время художник продолжал писать картины, хотя работа приносила ему сильные муки. Но именно с этого периода жизни Кустодиева стали появляться наиболее яркие и позитивные его произведения.
Живописец изображал на своих полотнах ярмарки, масленицы, чаепития, праздничные гуляния и дородных пышнотелых купчих, хотя за его окном в это время была смута, война, разруха, голод, холод, грязь и невыносимая нужда.
«Много я знал в жизни интересных, талантливых и хороших людей, но если я когда-нибудь видел в человеке действительно высокий дух, так это в Кустодиеве… » — писал Фёдор Шаляпин.
Коллеги восторгались мужеством, упорством и позитивным настроем этого художника, всегда давая его произведениям высокую оценку.
В картинах Кустодиева особенно раскрывается широкая русская душа. Силён дух народа, его радость и тяга к жизни, к жизни через край, к жизни взахлёб, к жизни на всю полную мощь.
К сожалению, Борис Кустодиев прожил короткую жизнь, однако он оставил после себя глубокое культурное наследие, которое может показать нам настоящую самобытную патриархальную Русь с её купчихами, ярмарками и чаепитиями.
Ксения Успенская «Не взяли на рыбалку», 1955 год
Эта картина знакома многим со школы. Её главным героем является маленький мальчик, который сильно расстроен. Он в недоумении почёсывает затылок и не понимает, почему его не взяли на рыбалку. Малыш хорошо подготовился и даже насобирал червей, но теперь черви стали добычей курицы.
На заднем плане мы видим папу мальчика и его старшего брата. Старший с улыбкой оглядывается на младшего, понимая, что на рыбалку тому ещё рано. Смеётся и выглядывающая из дома сестрёнка — расстроенный малыш кажется ей забавным. Вот только самому карапузу не до смеха — он на полном серьёзе собирался идти рыбачить.
Почему же не взяли малыша? Картина написана в 1955 году, а то время рыбалка была не развлечением, а самым настоящим промыслом. Маленький ребёнок только мешал бы взрослым поймать добычу — уже через час он стал бы ныть и проситься домой. А вернуться домой без улова рыбаки не могли, ведь тогда бы пришлось оставить семью без вкусной ухи.
Картина написана очень реалистично. Художнице удалось блестяще передать всю ситуацию, указав на чувства и эмоции всех героев картины, причём так живо и натурально, что зритель способен понять чувства каждого и, конечно же, всем сердцем сопереживать самому главному герою этого сюжета.
Картина «Не взяли на рыбалку» была тепло встречена публикой и почти сразу же выкуплена Третьяковской галереей. Полотно пользовалось такой популярностью, что стало хрестоматийным — по ней писало сочинения не одно поколение школьников.
Эта картина знакома многим со школы. Её главным героем является маленький мальчик, который сильно расстроен. Он в недоумении почёсывает затылок и не понимает, почему его не взяли на рыбалку. Малыш хорошо подготовился и даже насобирал червей, но теперь черви стали добычей курицы.
На заднем плане мы видим папу мальчика и его старшего брата. Старший с улыбкой оглядывается на младшего, понимая, что на рыбалку тому ещё рано. Смеётся и выглядывающая из дома сестрёнка — расстроенный малыш кажется ей забавным. Вот только самому карапузу не до смеха — он на полном серьёзе собирался идти рыбачить.
Почему же не взяли малыша? Картина написана в 1955 году, а то время рыбалка была не развлечением, а самым настоящим промыслом. Маленький ребёнок только мешал бы взрослым поймать добычу — уже через час он стал бы ныть и проситься домой. А вернуться домой без улова рыбаки не могли, ведь тогда бы пришлось оставить семью без вкусной ухи.
Картина написана очень реалистично. Художнице удалось блестяще передать всю ситуацию, указав на чувства и эмоции всех героев картины, причём так живо и натурально, что зритель способен понять чувства каждого и, конечно же, всем сердцем сопереживать самому главному герою этого сюжета.
Картина «Не взяли на рыбалку» была тепло встречена публикой и почти сразу же выкуплена Третьяковской галереей. Полотно пользовалось такой популярностью, что стало хрестоматийным — по ней писало сочинения не одно поколение школьников.
Сергей Андрияка «Новогодняя ночь», 1984 год
«Новогодняя ночь» Сергея Андрияки — это очень грустная, но в то же время невероятно трогательная картина. Она изображает пожилую женщину, которая встречает новый года не в тёплой квартире у накрытого стола, а на тёмном и холодном кладбище. Как же так получилось?
Художник решил написать такое необычное полотно, услышав историю одной женщины. На Николин день он ехал в автобусе с могилы отца, расположенной на Хованской кладбище. Там одна пожилая пассажирка рассказала, что похоронила свою единственную дочь, после чего осталась совсем одна. С тех пор она каждый год проводит новогоднюю ночь среди могил в полном одиночестве.
Художник был просто поражён этой историей. В тот же день, придя в храм, он услышал проповедь священника, который рассказывал, что на общем фоне праздника и веселья, многие люди испытывают разные переживания, среди которых и потери, и одиночество ....
«Рассказ женщины и проповедь в храме соединились в моем сознании. Задумавшись над полярностью одномоментных переживаний и чувств, я написал эту картину», — вспоминал художник.
На картине хорошо виден главный атрибут Нового года — маленькая ёлочка, которая заботливо украшена и поставлена любящей матерью на могилу дочери. Яркими огоньками выделяются две свечи — одну пенсионерка держит сама, а вторую воткнула в снег, словно дала дочке.
На заднем плане яркими огнями горит Москва, которая вовсю празднует наступивший Новый год. И, действительно, мало кто задумывается, что в этот самый миг есть люди, которые страдают и которым одиноко.
С одной стороны, бабушку немного жаль, но с другой становится понятно, что ей комфортно именно здесь, на холодном кладбище, рядом со своей единственной дочкой....
«Новогодняя ночь» Сергея Андрияки — это очень грустная, но в то же время невероятно трогательная картина. Она изображает пожилую женщину, которая встречает новый года не в тёплой квартире у накрытого стола, а на тёмном и холодном кладбище. Как же так получилось?
Художник решил написать такое необычное полотно, услышав историю одной женщины. На Николин день он ехал в автобусе с могилы отца, расположенной на Хованской кладбище. Там одна пожилая пассажирка рассказала, что похоронила свою единственную дочь, после чего осталась совсем одна. С тех пор она каждый год проводит новогоднюю ночь среди могил в полном одиночестве.
Художник был просто поражён этой историей. В тот же день, придя в храм, он услышал проповедь священника, который рассказывал, что на общем фоне праздника и веселья, многие люди испытывают разные переживания, среди которых и потери, и одиночество ....
«Рассказ женщины и проповедь в храме соединились в моем сознании. Задумавшись над полярностью одномоментных переживаний и чувств, я написал эту картину», — вспоминал художник.
На картине хорошо виден главный атрибут Нового года — маленькая ёлочка, которая заботливо украшена и поставлена любящей матерью на могилу дочери. Яркими огоньками выделяются две свечи — одну пенсионерка держит сама, а вторую воткнула в снег, словно дала дочке.
На заднем плане яркими огнями горит Москва, которая вовсю празднует наступивший Новый год. И, действительно, мало кто задумывается, что в этот самый миг есть люди, которые страдают и которым одиноко.
С одной стороны, бабушку немного жаль, но с другой становится понятно, что ей комфортно именно здесь, на холодном кладбище, рядом со своей единственной дочкой....
Иван Айвазовский и Илья Репин «Прощание Пушкина с морем», 1887 год
Как известно, Айвазовский был великолепным маринистом. Он редко изменял водной стихии, хотя в его творчестве были замечательные произведения и другого рода. Например, художник потрясающе изобразил пожар в Москве во время прихода Наполеона, а его зимние пейзажи очаровывают своей реалистичностью и романтичностью.
Но больше всего мастер любил рисовать море, считая, что это получается у него лучше всего. Поэтому, решив написать портрет А. С. Пушкина, Айвазовский обратился за помощью к своему друг Илье Репину.
В этой картине Айвазовский изобразил стихию, а Репин — фигуру стихотворца. Илья Ефимович лично не встречался с Пушкиным, поэтому жадно выспрашивал у всех знакомых, как выглядел поэт. Позже он так описывал свою работу:
«Дивное море написал Айвазовский… И я удостоился намалевать там фигурку».
Плод совместного творчества великих художников получился прекрасным. Волнующееся море бьётся о скалы, морской ветер развевает плащ Пушкина, чувствуется сила духа поэта и мощь бушующей стихии. Общее настроение картины торжественное и одновременно загадочное. Кажется, что поэт будто ожидает кого-то из морских глубин. Он снял шляпу и раскинул руки, показывая, что открыт надвигающейся буре.
Картина была приурочена к 50-летию со дня смерти литературного гения и основана на его стихотворении «К морю».
Прощай, свободная стихия!
В последний раз передо мной
Ты катишь волны голубые
И блещешь гордою красой.
Как друга ропот заунывный,
Как зов его в прощальный час,
Твой грустный шум, твой шум призывный
Услышал я в последний раз...
Стоит отметить, что это не единственная картина Айвазовского, на которой изображён Пушкин. Художник всю жизнь восхищался великим поэтом и создал целый цикл картин, посвящённых поэту, правда помощников к этому больше не привлекал.
#живопись #искусство #культура #картины #картинысисторией #пушкин #айвазовский #пушкиниморе #прощаниесморем #картиныайвазовского #иванайвазовский #репин #ильярепин
Как известно, Айвазовский был великолепным маринистом. Он редко изменял водной стихии, хотя в его творчестве были замечательные произведения и другого рода. Например, художник потрясающе изобразил пожар в Москве во время прихода Наполеона, а его зимние пейзажи очаровывают своей реалистичностью и романтичностью.
Но больше всего мастер любил рисовать море, считая, что это получается у него лучше всего. Поэтому, решив написать портрет А. С. Пушкина, Айвазовский обратился за помощью к своему друг Илье Репину.
В этой картине Айвазовский изобразил стихию, а Репин — фигуру стихотворца. Илья Ефимович лично не встречался с Пушкиным, поэтому жадно выспрашивал у всех знакомых, как выглядел поэт. Позже он так описывал свою работу:
«Дивное море написал Айвазовский… И я удостоился намалевать там фигурку».
Плод совместного творчества великих художников получился прекрасным. Волнующееся море бьётся о скалы, морской ветер развевает плащ Пушкина, чувствуется сила духа поэта и мощь бушующей стихии. Общее настроение картины торжественное и одновременно загадочное. Кажется, что поэт будто ожидает кого-то из морских глубин. Он снял шляпу и раскинул руки, показывая, что открыт надвигающейся буре.
Картина была приурочена к 50-летию со дня смерти литературного гения и основана на его стихотворении «К морю».
Прощай, свободная стихия!
В последний раз передо мной
Ты катишь волны голубые
И блещешь гордою красой.
Как друга ропот заунывный,
Как зов его в прощальный час,
Твой грустный шум, твой шум призывный
Услышал я в последний раз...
Стоит отметить, что это не единственная картина Айвазовского, на которой изображён Пушкин. Художник всю жизнь восхищался великим поэтом и создал целый цикл картин, посвящённых поэту, правда помощников к этому больше не привлекал.
#живопись #искусство #культура #картины #картинысисторией #пушкин #айвазовский #пушкиниморе #прощаниесморем #картиныайвазовского #иванайвазовский #репин #ильярепин
Валентин Фёдорович Папко «Даже не снилось. Утро 22 июня 1941»
На этой картине мы видим молодую семью, которая мирно спит ранним утром. Вот только утро оказалось совсем не добрым: за большим панорамным окном мы видим низко летящие самолёты, которые готовы стереть деревню с лица земли.
Эту картину написал современный художник Валентин Папко. Называется она «Даже не снилось. Утро 22 июня 1941».
Валентин Папко — заслуженный художник РФ, а его картина написана очень реалистично и современно. Все детали хорошо и тщательно прорисованы, даже люди кажутся настоящими.
Этой картиной автор хотел показать шаткую границу между миром и войной, которая к сожалению, имеет место и в наше время.
На этой картине мы видим молодую семью, которая мирно спит ранним утром. Вот только утро оказалось совсем не добрым: за большим панорамным окном мы видим низко летящие самолёты, которые готовы стереть деревню с лица земли.
Эту картину написал современный художник Валентин Папко. Называется она «Даже не снилось. Утро 22 июня 1941».
Валентин Папко — заслуженный художник РФ, а его картина написана очень реалистично и современно. Все детали хорошо и тщательно прорисованы, даже люди кажутся настоящими.
Этой картиной автор хотел показать шаткую границу между миром и войной, которая к сожалению, имеет место и в наше время.
Аркадий Пластов «Весна», 1954 год
На этой картине художник изобразил молодую женщину, одевающую свою дочь в открытом предбаннике «курной» деревенской бани. Рыжеволосая обнажённая героиня является олицетворением только-только наступившей весны, которая пробуждает ото сна природу и даёт начало новой жизни.
Весна была любимым временем года Аркадия Пластова. Живя в столице, каждую весну он приезжал в родную деревню Прислониха Ульяновской области, сам открывал в доме все окна и вытаскивал зимние рамы. В Прислонихе художник написал и картину «Весна», которую начал ещё в 1945 году, а закончил только в 1954. Известно, что в работе над полотном мастеру помогал сын Николай Аркадьевич.
На картине изображена собственная баня художника, расположенная около речки Урень. Натурщицей для маленькой героини была местная жительница Нина Шарымова. За это мастер подарил ей отрез нарядного шёлка на платье.
Образ взрослой женщины Пластов писал со своей супруги, что стало известно из его письма к ней: «4 дня назад сделал акварелью эскиз той картины, для которой уже целый год собираюсь делать с тебя этюды, — это нагая женщина одевает в предбаннике ребёнка, летом это будет сделать необходимо».
Из-за обнажённой натуры картина «Весна» на первой выставке вызвала много вопросов и негативных комментариев. Некоторые критики отмечали, что полотно якобы «жизненно не оправдано» и вызвано желанием автора передать чисто живописный эффект обнажённого тела на тёмном фоне.
Также неодобрительно была воспринята нищета героев картины — баня топится по-чёрному, нет электричества и даже минимальных удобств. Из-за всей этой критики картина «Весна» долгое время не экспонировалась и не печаталась, получив заслуженную популярность только в 21 веке.
На этой картине художник изобразил молодую женщину, одевающую свою дочь в открытом предбаннике «курной» деревенской бани. Рыжеволосая обнажённая героиня является олицетворением только-только наступившей весны, которая пробуждает ото сна природу и даёт начало новой жизни.
Весна была любимым временем года Аркадия Пластова. Живя в столице, каждую весну он приезжал в родную деревню Прислониха Ульяновской области, сам открывал в доме все окна и вытаскивал зимние рамы. В Прислонихе художник написал и картину «Весна», которую начал ещё в 1945 году, а закончил только в 1954. Известно, что в работе над полотном мастеру помогал сын Николай Аркадьевич.
На картине изображена собственная баня художника, расположенная около речки Урень. Натурщицей для маленькой героини была местная жительница Нина Шарымова. За это мастер подарил ей отрез нарядного шёлка на платье.
Образ взрослой женщины Пластов писал со своей супруги, что стало известно из его письма к ней: «4 дня назад сделал акварелью эскиз той картины, для которой уже целый год собираюсь делать с тебя этюды, — это нагая женщина одевает в предбаннике ребёнка, летом это будет сделать необходимо».
Из-за обнажённой натуры картина «Весна» на первой выставке вызвала много вопросов и негативных комментариев. Некоторые критики отмечали, что полотно якобы «жизненно не оправдано» и вызвано желанием автора передать чисто живописный эффект обнажённого тела на тёмном фоне.
Также неодобрительно была воспринята нищета героев картины — баня топится по-чёрному, нет электричества и даже минимальных удобств. Из-за всей этой критики картина «Весна» долгое время не экспонировалась и не печаталась, получив заслуженную популярность только в 21 веке.
Норман Роквелл «Девочка с синяком под глазом», 1953 год
На этой картине художник изобразил школьницу, сидящую перед кабинетом директора. С одного только взгляда на неё становится понятно, что девочка только что подралась: одежда её истрёпана, коленки в ссадинах, а под глазом красуется огромный синяк.
У этой картины есть несколько названий: «Перед кабинетом директора», «Девочка с синяком под глазом» или просто «Синяк». Художник написал её в качестве иллюстрации для обложки журнала Saturday Evening Post, вышедшего 23 мая 1953 года. Натурщицей для героини стала американская школьница Мэри Уэлен, дочь адвоката Роквелла.
Художник познакомился с Мэри в 1951 году на баскетбольном матче, в котором принимал участие его сын. После матча Роквелл спросил девочку, не хочет ли она ему кое в чем помочь. Она согласилась. Мэри позировала Роквеллу для нескольких картин, в том числе и для «Синяка».
Известно, что Роквел сначала делал фотографии своих моделей и интерьера, а уже потом переносил изображение на холст. Картина «Синяк» не стала исключением. Роквелл пришёл в школу и сделал снимки Мэри, кабинета директора, самого директора и секретаря. Эти материалы он впоследствии использовал для эскизов.
Мэри так нравилось работать с Роквеллом, что она даже написала о нём в мемуарах. «Он гений с детским сердцем, человек, который оставляет неизгладимый отпечаток как на людях, так и на холсте», — вспоминала натурщица.
На этой картине художник изобразил школьницу, сидящую перед кабинетом директора. С одного только взгляда на неё становится понятно, что девочка только что подралась: одежда её истрёпана, коленки в ссадинах, а под глазом красуется огромный синяк.
У этой картины есть несколько названий: «Перед кабинетом директора», «Девочка с синяком под глазом» или просто «Синяк». Художник написал её в качестве иллюстрации для обложки журнала Saturday Evening Post, вышедшего 23 мая 1953 года. Натурщицей для героини стала американская школьница Мэри Уэлен, дочь адвоката Роквелла.
Художник познакомился с Мэри в 1951 году на баскетбольном матче, в котором принимал участие его сын. После матча Роквелл спросил девочку, не хочет ли она ему кое в чем помочь. Она согласилась. Мэри позировала Роквеллу для нескольких картин, в том числе и для «Синяка».
Известно, что Роквел сначала делал фотографии своих моделей и интерьера, а уже потом переносил изображение на холст. Картина «Синяк» не стала исключением. Роквелл пришёл в школу и сделал снимки Мэри, кабинета директора, самого директора и секретаря. Эти материалы он впоследствии использовал для эскизов.
Мэри так нравилось работать с Роквеллом, что она даже написала о нём в мемуарах. «Он гений с детским сердцем, человек, который оставляет неизгладимый отпечаток как на людях, так и на холсте», — вспоминала натурщица.
